Written by William T. Dowell

American photographer Louis Stettner’s haunting images of Paris and New York in the 1950s are on view at both the AD-Galerie in Genolier and the Chateau de Nyon—a rare opportunity, not be missed.

“I could take a great photograph in a dentist’s office,” says Louis Stettner, “but it might take five years, and I am not prepared to wait that long.” The reference to the dentist’s office recalls Stettner’s close friendship with Weegee, who earned a reputation for dramatic photo-realism while shooting for New York newspapers in the 1930s. Weegee, interested in capturing the attention of jaded tabloid editors, sought images with panache in a highly competitive battle for survival on the front pages of the city’s tabloids. Weegee’s instant put down for a photo that didn’t make the grade was to dismiss it as being “as drab as a dentist’s waiting room.”

Louis Stettner at the Chateau de Nyon.

In contrast to Weegee, who frequently ignored the finer points of composition in favor of dramatic impact, Louis Stettner spent his life looking for the aesthetic beauty in what others often thought of as ordinary routine. His greatest influence was Brassai, whom Stettner regarded as his master. “He taught me to transform the ordinary into the extraordinary,” Stettner wrote in “Wisdom Cries out in the Streets,” a retrospective of Stettner’s life in photography, published by Flammarion in 1999. The title is a quotation from Shakespeare’s “Henry IV”, “Thou didst well, for wisdom cries out in the streets and no man regards it.”

Born in Brooklyn, New York, in 1922, Stettner’s first “real” camera was a 1905 view camera, which he lugged around on a tripod. An early letter of encouragement from Alfred Stieglitz fueled his determination to devote his life to visual images. Paul Strand was another influence. When World War II erupted, he enlisted and was sent to the Pacific as a war photographer. Returning to New York in 1945, he joined the Photographic League and went off to Paris for what he expected to be a two-month trip. He spent the next five years shuttling between Paris and New York. In 1947, he organized a major exhibition introducing the leading French fine art photographers, Brassai, Edouard Boubat, Izis, Willy Ronis and Robert Doisneau to New York. Along the way, he picked up major assignments for Life, Time, Paris-Match, National Geographic and Réalités, and began writing a regular column for Camera-35.

The New York World Trade Center  ©Louis Stettner

In Paris, Paul Strand invited Stettner to lunch on an almost weekly basis, more to provide the young photographer with badly needed nourishment than to dispense photographic theory. But it was really Brassai, who had the most influence. When Stettner would arrive at the master’s studio, Brassai would begin by showing an object that he had just found at the Paris flea market. He would tell Stettner to touch it and fondle it to get a sense of it. Then Brassai would take out his photos and discuss them with Stettner. Brassai later wrote of his disciple, “Stettner seeks his way in the bosom of everyday life.” Stettner worked with a huge 8x10 view camera at first. He explains that he was so obsessed with detail that he didn’t want to risk losing anything. He eventually began using a Rolleiflex and then a Leica, especially after Henri Cartier-Bresson explained the advantages of a 35-mm camera

Despite his interest in seemingly ordinary events and people, Stettner’s photographs are anything but common place. In fact, an effort to avoid banality seems to have been a lifetime obsession. At the opening night of the showing at the AD-Galerie in Genolier, Stettner told me that he is convinced that a truly original photograph emerges on its own. “That is what makes it different from a photograph that is merely clever,” he said. “It is different from a painting, which is the work of an artist’s imagination. A photograph is an amalgamation of reality and the photographer’s vision.” Everything comes together for an instant in time. “It may not be the decisive moment, “Stettner says, “but it is a significant moment.”

The moments captured in Louis Stettner’s photographs are often both powerful and unforgettable. In an image, filled with accidental allegory, we see a young black boy from the back, sitting carelessly on a metal railing at New York’s Battery Park in 1954. In the distance, partially obscured by haze is the Statue of Liberty, the ultimate symbol of America’s promise captured in Emma Lazarus’ poem: 

Battery Park, New York 1954 © Louis Stettner

Your huddled masses yearning to breathe free,
The wretched refuse of your teeming shore.
Send these, the homeless, tempest-tossed to me,
I lift my lamp beside the golden door!"
"Give me your tired, your poor, 

The boy looks to his left, where a granite column is emblazoned with the names of the states, a significant number of which might have rejected his presence at the time because of the color of his skin. Between the statue and the column, one can see the crisp image of a sea gull in flight over the water. 

Dalmatians, 1954 © Louis Stettner

Another photograph shows two elegant Dalmatian dogs elegantly placed in the back seat of an expensive convertible. The dogs are looking in opposite directions, and the nose of the dog looking to the right is past the frame of the picture. A woman had wanted to buy the photograph to use in an advertisement, but she complained that Stettner had failed to capture the nose of the dog on the right. “She couldn’t understand, “ Stettner told me, “that that would have made the picture ordinary. The eye would have gone from one to the other, and that would have been it.” As it is, the photograph creates the impression that there is more there than the eye can immediately grasp.

The photographs by Stettner which are for sale at the AD-Galerie are only the latest in a series of brilliant shows put on by AD-Galerie’s owner, Alexandre Devis. The quality maintained by the gallery promises make Genolier a mandatory pilgrimage for anyone seriously interested in what photography can accomplish. Devis, who is

Alexandre Devis of AD-Galerie

Belgian, previously worked in investment banking in New York and Dubai before deciding that he cared about photography more than the world of finance. The gallery, itself an architectural gem, was designed by Devis’ wife, a jurist, who specializes in constitutional law and the rights of minorities. Devis believes that the key to success is in selecting the best, and that if one makes the right choices, the rest will follow. “This is not about money,” Devis explains. “This is passion.”

At the age of 88, Louis Stettner is clearly a blend of both passion, fun and the joy that life has to offer. Waiting to give a talk in Nyon last weekend, he snapped several photos in Focal, the photographic book store next to the Chateau. “I hate to talk about photography,” he said. “Then talk about life,” I suggested. “Good idea,” he said. The exhibition at the Chateau in Nyon extends through July 4^th. The show at the AD-Galerie in Genolier is well worth the trip. 

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"Louis Stettner, un regard sur la vie" par Olivier Delhoume.

Faire de la photographie, mais pourquoi ? Il ne s’est jamais posé la question.

Dès l’âge de 14 ans, il entre en photographie alors qu’elle n’est pas encore perçue comme un art. Il fait des images pour lui, ses amis photographes et ses proches, tout simplement. Il y a quelque chose de naturel et d’intuitif chez Stettner. Pas de préméditation, ni de volonté de construire une œuvre. « Comme pour l’amour ; on n’explique pas l’amour… De même pour la photographie ! ».

Jeune homme, il aurait pu tirer le portrait de ses amies, utiliser ce stratagème pour flirter. Mais, non. Il part dans le Pacific, si mal nommé : la deuxième guerre mondiale éclaire l’horreur de ses bombes. A 18 ans, il choisit la meilleure possibilité, pour lui, de servir au mieux la lutte contre le nazisme et le fascisme et il s’engage pour « un combat juste ». Il découvre alors que le reportage de guerre est très difficile : « plus on s’approche des combattants ou des victimes, plus ils se cachent ». Dix ans plus tard, il aurait réalisé des portraits de soldats. Les espoirs et les peines sont inscrits sur le visage, la profondeur d’un regard dit tout.

Une bourse de 75 dollars par mois offerte par le gouvernement américain lui permet de venir suivre les cours de l’IDHEC à Paris. Le cinéma lui fait de l’oeil mais il lui semble compliqué de trouver un producteur, de diriger toute une équipe. Il opte pour la photographie qui garantit l’indépendance.

Stettner aime les grandes villes. Il s’y sent à l’aise ; c’est son territoire. Il découvre Paris : « la ville de l’amour et de la beauté de la vie, œuvre achevée ». Mais son coeur balance. « A New York, l’homme dévoile son esprit en lutte contre l’adversité. C’est une ville en train de se définir perpétuellement, toujours en devenir. On peut y devenir héroïque ». Ces deux villes sont très différentes et complémentaires tout comme le sont peinture et photographie ; deux arts qui ne cesseront de rythmer la vie de l’artiste. La peinture lui est angoissante mais un nécessaire processus de recherche et de découverte intérieure. Art moderne, la photographie le projette à l’extérieur et vers les autres : occasion de rencontres et moyen de découvrir le monde.

La seule différence entre la photographie et la peinture ? « La chance joue un rôle plus important dans la photographie. Mais tous les autres éléments sont communs à aux deux arts. Pour moi, c’est une très grande angoisse de peindre alors que la photographie reste un processus très intuitif. Je ne fais jamais de calcul pour prendre une image. J’attends un instant de chance pour exprimer, par ma vision personnelle, la vie autour de moi. Je cherche les moments signifiants qui révèlent quelque chose de l’humanité ».

Pour Stettner, l’émotion et la composition sont intimement liées. L’émotion s’exprime par la structure de l’image : « Il n’y a pas de bonnes ou de mauvaises photos. Il y a des images plus ou moins fortes mais on réussit une image lorsque l’émotion s’exprime dans une forme originale ». Et le meilleur reste à venir car : «  l’âge avançant, tout cela devient de plus en plus excitant. Tout comme un bon vin qui prend de la qualité avec les années ».

Pourquoi la photographie ? « Une bonne image ne devrait pas pouvoir s’exprimer avec des mots. Si je le dis avec les mots, il n’y a pas de raison de faire une photographie. Cela reste un miracle inexplicable ». Voila pourquoi une photographie de Stettner vous touche profondément, comme un instant précieux de la vie. Et comme pour la vie, ces moments de bonheur ne se révèlent qu’avec le temps qui définit la valeur des choses. L’œuvre polie, l’art surgit.

De même pour ses peintures, Stettner réclame du temps : « Dans cinquante ans nous comprendrons, peut-être, l’intérêt d’une toile… ». Très souvent, ce sont les peintres qui viennent à la photographie mais il a suivi le chemin inverse. Il exprime en photographie ce qui ne peut l’être en peinture et inversement. Mais le visage et les mains restent le dénominateur commun. Si d’autres artistes ont traité ces sujets, ce fut souvent mis en scène dans un décor. Mais lui s’en tient au gros plan, fasciné et désireux de comprendre, de découvrir les mystères de l’humain : «  Je me retrouve moi-même dans les autres. Jamais je ne prémédite la réalisation d’une image. Jamais je n’impose quelque chose à la réalité ; elle me dit ce qu’il faut faire. On ne sait pas ce que l’on va trouver, je reste ouvert à tout. L’intérêt est de faire correspondre ce qu’il y a en vous avec ce que l’on trouve dans le réel. On pourrait même faire une photographie très forte dans la salle d’attente d’un dentiste mais il faudrait, pour cela y rester cinq ou dix ans. La réussite est souvent en relation avec le temps investi ».

Il regrette que les endroits intéressants à Paris soient de plus en plus rares : « Il y a tellement de touristes que Paris est devenu un décor de théâtre. La vraie vie des habitants, la vie quotidienne - expression merveilleuse en français - est de plus en plus difficile à trouver ».

Photographie contemporaine.

Pour Louis Stettner, le photographe contemporain est à 98% quelqu’un qui se montre habile, inventif et spectaculaire mais sa proposition reste une sorte de divertissement décoratif. Cela n’a rien à voir avec l’Art dont la seule raison d’être est de toucher l’âme humaine : « L’art n’est pas un divertissement. Tout mon travail va à l’encontre de l’industrialisation et de la déshumanisation de nos sociétés ».

L’émotion, conjuguée à l’originalité de la composition, constitue le dénominateur commun de toutes ses œuvres. Mais ne lui collons pas d’étiquette ; il les refuse : « Suis-je un artiste humaniste ? Je ne sais pas mais Rembrandt était humaniste. Aujourd’hui, très peu de photographes en défendent les valeurs ».

Louis Stettner a mis longtemps pour venir à la couleur. Mais c’est devenu un élément important de ses images qu’il traite comme en noir et blanc. Les couleurs rayonnent, éclatent. N’avions-nous pas déjà découvert de la couleur dans ses noirs et blancs? « La couleur fait partie de la photographie. Elle peut souvent être plus qu’un simple aimant vers le réel, devenant pure expression de l’émotion et de l’instant. Il n’y a pas d’image en noir et blanc que j’aurais aimé faire en couleur ».

Stettner se fera-t-il des ennemis, passera-t-il pour démodé auprès de certains en rejetant le numérique? Je ne crois pas car il différencie le support de création argentique et le moyen de reproduction numérique. Comme pour une peinture de Rembrandt avec l’œuvre originale et sa reproduction. Différence qu’il évoque en distinguant le vrai du faux : « Tout cela n’est guère visible mais ce n’est pas la même chose ; le digital n’a pas sa propre esthétique et reste une imitation de la photographie basée sur les sels d’argent ».

La photographie est un art dans lequel beaucoup d’éléments interviennent : l’intérêt du sujet, la qualité esthétique mais aussi la qualité technique de la pellicule, du papier sensible,… Et tout cela contribue à la réussite artistique. Aujourd’hui il est devenu presqu’impossible de réussir du beau noir et blanc car la qualité technique des supports a considérablement baissé. Stettner craint que, dans dix ans, ces matériaux traditionnels disparaissent : « Ce fut un miracle, durant ces quelques décennies, d’avoir pu bénéficier de bons appareils et de bonnes fournitures. Je continue de réaliser mes propres tirages argentiques en laboratoire ce qui en étonne beaucoup. Je trouve cela tout à fait normal et y prends un grand plaisir. C’est formidable d’être dans le noir. Rien de mauvais ne peut vous arriver dans une chambre noire ».

C’est une aventure pour lui, à chaque fois renouvelée, quand il sort avec un appareil : « Tout à coup, en dix secondes, on peut toucher l’éternité. Et ces miracles arrivent parfois. Avec l’âge tout devient de plus en plus excitant. En photographie, les œuvres continuent de vivre après leur auteur et c’est très réconfortant ».

Il s’étonne aussi de sa notoriété et de la reconnaissance de son œuvre qu’il continue de construire chaque jour. « C’est peut-être un genre de folie mais je garde toujours une passion très vive. Je ne sais pas pourquoi je fais les choses, elles arrivent c’est tout. Je ne cherche pas à être très clair dans ma démarche. ».

Tous les regards sondés par l’objectif de son appareil témoignent d’un monde terrible. La cicatrice des visages et des âmes confirme que tout cela n’a aucun sens. « Tant de misères et tant de souffrances ! Mais il faut garder l’espoir qu’un jour l’humanité pourra résoudre ses conflits et arrêter les horreurs inutiles ». Il considère que c’est aussi le rôle d’un artiste de lutter pour renforcer l’humanité. Il refuse le désespoir et avoue rester éternellement optimiste car il y a tout de même des progrès pour la condition humaine : « Si nous sommes mieux soignés médicalement, si l’espérance de vie augmente, c’est bien. Mais on vit tout de même dans un monde de consommation perpétuelle où les objets deviennent plus importants que les gens ».

La prochaine photographie qu’il fera ? Il ne sait pas car cela dépend des hasards de la vie. Il restera tel qu’il est, fidèle à ses convictions. « Je crois avoir été courageux bien qu’ayant connu d’intenses moments de peur. J’ai essayé de faire de mon mieux et c’est ma plus grande satisfaction. J’ai la possibilité d’être toujours actif. Je continue de vivre à paris et d’aller à New York, trois ou quatre fois par an. Cette ville me fascine toujours autant, bien que les lieux de vie authentiques disparaissent peu à peu ».

Pour Louis Stettner, La photographie est un moyen de chercher la vie dans la vie. Il croit avoir trouvé, modestement, quelques petites choses dans ce domaine. Une galerie de New York lui a envoyé un petit globe terrestre comme cadeau avec ce mot : « Vous avez fait du monde un bel endroit ». Et cela l’a beaucoup encouragé. Mais il ignore encore beaucoup de la valeur de ses images. Il nous offre son regard sur la vie et les gens. Sait-il que nous n’existons que par le regard que nous portent les autres ? Louis Stettner nous regarde et nous sommes vivants.

Olivier Delhoume - Mai 2010